domingo, 27 de diciembre de 2015

LA CATEDRAL DE SANTA SOFIA EN KIEV ...EL ARTE RUSO Y LA SEGUNDA EDAD DE ORO DEL ARTE BIZANTINO




Para poder ver esta Obra de Arte debemos de acudir a las frías tierras de Ucrania, una república independizada de la extinta URSS en el año 1991. Más concretamente, nos dirigimos a su capital Kiev para conocer uno de los edificios religiosos más importantes de este país, la catedral de Santa Sofía.
Basta con que nos situemos frente a este imponente edificio para que nos demos cuenta de su majestuosidad y del hecho de que nos encontramos ante un elemento arquitectónico con pocos rivales a su altura. Se trata de uno de los principales símbolos de la ciudad de Kiev, sobre todo para el sector turístico, que tiene el honor de ser el primer edificio ucraniano incluido en la lista del patrimonio mundial que elabora la Unesco.

Esta catedral fue proyectada con un objetivo concreto; se trataba de rivalizar con la magnificencia de la iglesia de Santa Sofía de Constantinopla, por lo que se iniciaron las obras para su edificación en los primeros años del siglo XI, no estando demasiado claro cuál fue el año exacto en que tuvo lugar. Lo que sí es un hecho probado son los más de dos siglos que tuvieron que transcurrir hasta que estuviese definitivamente terminada.

Considerado uno de los edificios más relevantes para la cultura del cristianismo oriental en el siglo XI, es una iglesia de cruz griega con marcada influencia de los modelos bizantinos. La catedral de Santa Sofía refleja una perfecta fusión de los elementos arquitectónicos y el simbolismo religioso. Dividida en cinco naves por doce columnas, nos muestra una gran cúpula dorada en el centro, que representa a Cristo, y otras doce más pequeñas, que simbolizan a los apóstoles.

La iglesia está rodeada por un conjunto de edificios monásticos de piedra, aunque originalmente se fabricaron en madera, por lo que fueron devastados por el incendio que tuvo lugar en el año 1697 y debieron ser reconstruidos.

Algunos de los elementos que debemos tener en cuenta durante nuestra visita son la torre campanario, los alrededores del complejo que están repletos de grutas y monumentos, o algunas de las cuevas convertidas en catacumbas donde reposan los restos de monjes e ilustres personajes de épocas pasadas.

Otra condecoración recibida por el conjunto catedralicio le convierte en una de las Siete Maravillas de Ucrania. Actualmente, su uso está claramente enfocado al turismo, al haberse convertido en el Museo del Cristianismo de Ucrania.








                                                                        Iconostario





La Catedral de Santa Sofía (Sofiiskiy Sobor) construida en el siglo XI hasta nuestros días conserva su belleza única y es declarada uno de los singulares monumentos de historia, arquitectura y pintura monumental. Fue justamente ese templo que entró antes de otros lugares de interés de Ucrania en la lista del Patrimonio Mundial de Unesco.

La Catedral de Santa Sofía fue fundada en 1037 por mandato del príncipe de Rus de Kiev, Yaroslav I el Sabio, en el sitio donde los ciudadanos de Kiev vencieron a los pechenegos. El templo construido y nombrado en honor de la Santa Sofía de Constantinopla representaba el edificio más grande de la capital. Su elevación significaba para Yaroslav I el Sabio la confirmación del poder de Rus de Kiev.

La catedral de Santa Sofía fue no sólo el templo principal del estado sino desempeñaba el papel de un relevante centro social, político, cultural y educativo. Aquí tenían lugar las ceremonias solemnes de acceso al trono, los encuentros oficiales con embajadores extranjeros, firmaron los acuerdos internacionales. Los terrenos de la catedral albergaban la primera escuela creada en el Rus y funcionaba la primera biblioteca fundada por Yaroslav I el Sabio.

A pesar de que la catedral fue construida según prescriben las reglas de la arquitectura bizantina, no hay nada similar en el mundo entero. Durante su larga historia, el templo sobrevivía las destrucciones e invasiones. Pero el daño más considerable fue causado por los tártaros de Mongolia que en 1240 invadieron y apoderaron de la ciudad de Kyiv. Después la catedral estaba en el estado deplorable, aunque funcionaba. Sólo en la frontera de los siglos XVII y XVIII, el edificio de la Santa Sofía fue restaurado y reconstruido según barroco, el estilo muy de moda en aquel entonces. Además, la catedral obtuvo el campanario de 76 metros de altura que posee la campana de 13 toneladas, la más pesada de Ucrania.

Pero si el exterior de la catedral alteró considerablemente durante diez siglos, el interior conservó su autenticidad y hoy en día representa el valor principal del templo. Dentro de la iglesia hay muchos mosaicos creados en el siglo XI por los maestros bizantinos que las dotaron de la hermosura excepcional. El más famoso es el de Madre de Dios Oranta cuya altura alcanza seis metros. Ella está compuesta de piezas de piedra y de cristal que son de 177 matices. Santa Sofía guardó muchas de sus frescos que adornan sus galerías. Excepto los sujetos religiosos, aquí se puede admirarse de los laicos como las imágenes de Yaroslav I el Sabio y los miembros de su familia, las escenas de la vida palaciega de los emperadores bizantinos, etc.

La catedral de Santa Sofía sirvió de lugar de enterramiento de los príncipes de Kyiv. Pero actualmente aquí yacen sólo los restos de Yaroslav I el Sabio y su mujer. Su sarcófago tallado está dentro de la catedral.

Actualmente, el complejo arquitectónico que consiste de la catedral, la casa de arzobispo, el campanario, el colegio, las celdas es declarado el museo-vedado nacional.

                                                Mosaico de la Cúpila central Arcángel


                                                          Cúpula central con el Cristo Patocrátor






ANÁLISIS:
En este momento de la Segunda Edad de Oro del arte bizantino, los influjos de la arquitectura bizantina se extienden a la zona rusa de Armenia. A partir del siglo X, estos edificios de carácter fuertemente bizantino, y alejados de presupuestos estilísticos occidentales, estarán presentes en Bulgaria, Servia, Rusia, Rumanía, República Veneciana, Sur de Italia y Sicilia. Santa Sofía de Kiev, tiene planta basilical de cinco naves que rematan en ábsides. Un deambulatorio envuelve al templo, con el fin de favorecer la circulación interna. Tradicionalmente, se ha venido afirmando que fue proyectada para competir con Santa Sofía de Constantinopla; queriendo simbolizar esta catedral de Kiev la “nueva Constantinopla”; es decir la capital del Principado cristiano de Kiev, creado en el siglo XI, tras la evangelización de la región por el bautismo del rey Vladimir , en el año 988. Sus cúpulas no se ciñen a un modelo exclusivamente bizantino, ni tampoco a un edificio concreto de Oriente o de Occidente; de ahí que los críticos de arte rusa acostumbren a hacer hincapié en la nueva personalidad artística de esta arquitectura. Característica que igualmente habrá de tener Santa Sofía de Novgorod, realizada en madera, con el mismo número de cúpulas y construida pocos años después que esta de Kiev. En síntesis, puede decirse que Santa Sofía de Kiev se convertirá en modelo a seguir por edificios posteriores, por el arte ortodoxo ruso.


http://www.udc.es/dep/com/castellano/arte_virtual/fichas/bizancio/arquitectura/arqbizancio_ficha03_l01.html
http://viajerosblog.com/catedral-de-santa-sofia-kiev.html

http://discover-ukraine.info/es/places/kyiv/kyiv/162
http://megaconstrucciones.net/?construccion=catedral-santa-sofia-kiev

jueves, 17 de diciembre de 2015

ELIZABETH ELEANOR SIDDAL...POETA Y MUSA DEL PRERRAFELISMO


Elizabeth Eleanor Siddal fue la musa, modelo y protagonista de algunos de los cuadros más famosos del Prerrafelismo. Pero, además, una pintora, dibujante y poetisa muy interesante, perfectamente integrada como autora dentro de la Hermandad Prerrafelita. Por si fuera poco, su corta vida estuvo plagada de acontecimientos dramáticos que la convirtieron en un referente para muchos artistas de su época.
Nació en Londres el día 25 de julio de 1829. Su familia era modesta y Elizabeth comenzó desde muy joven a trabajar, primero en la industria de la confección y posteriormente como dependienta en una sombrerería.
Parece ser que fue precisamente en el trabajo donde conoció al pintor norteamericano afincado en Inglaterra Walter Deverell, miembro de la Hermandad Prerrafaelita que comenzaba por entonces a desarrollar su actividad. Walter Deverell, impresionado por la belleza de Elizabeth, que encajaba a la perfección en el ideal de la Hermandad, le propuso posar como modelo para alguno de sus cuadros.
Otros miembros de la Hermandad Prerrafaelita también vieron en Elizabeth Siddal la modelo ideal para sus cuadros y, entre todos ellos, Dante Gabriel Rossetti quien le propuso posar por primera vez para él en el año 1851.
Desde aquel momento, Rossetti y Elizabeth Siddal iniciarían una tormentosa relación sentimental y profesional. Rossetti la convirtió en su musa y modelo de sus grandes obras, a la vez que Elizabeth comenzaba a interesarse por el ejercicio del dibujo y de la pintura para los que pronto demostró importantes virtudes.
Como modelo, Elizabeth Siddal es la protagonista de algunas de las obras más conocidas del Prerrafaelismo, incluyendo la Ofelia muerta de John Everett Millais. Precisamente, posar para este cuadro obligó a que Elizabeth permaneciera durante horas posando en el interior de una bañera lo que, según la mayor parte de los testimonios, le acabó produciendo una enfermedad y debilidad física que le acompañaría hasta su muerte.

John Everett Millais, Ofelia muerta, h. 1851

En la segunda mitad de la década de los años 50, Elizabeth se inicia en un doble campo creativo: la poesía (muy influida por el goticismo de Walter Scott) y la pintura, en la que practica tanto el óleo como el dibujo, dentro de una línea medievalista típicamente prerrafaelita.
Sus poemas reflejan el sufrimiento y la angustia que acompañarían a Elizabeth Eleanor Siddal a partir de aquellos años. Aquejada de fuertes dolores y, tal vez, víctima de la anorexia, debía recurrir con frecuencia al láudano para aliviarse. Un buen ejemplo de sus poemas es el titulado At last escrito pocas semanas antes de su suicidio. Dice:

Oh, Madre, abre la amplia ventana
Y deja que entre el día;
Oscuras se tornan las colinas
Y los pensamientos comienzan a nadar.
Madre querida, toma mi joven hijo,
(Ya que de tí he nacido)
Y cuida todos sus pequeños caminos
Hazlo sabio sobre tu falda.
Lava mis manos luctuosas
Y luego ata mis pies;
Mi cuerpo ya no puede descansar
Fuera de su sábana tortuosa.
Toma el brote de un árbol joven
Y verde hierba recién segada,
Déjalos sobre ésta lóbrega cama
Para que mi dolor no se sepa.
Encuentra tres bayas rojas
Y arráncalas del tallo,
Quémalos al canto del gallo
Para que mi alma no regrese.
Cuando caigan las gruesas lágrimas,
(Y caerán, Dios lo sabe)
Díle que que morí de un gran amor
Y que mi corazón ha muerto alegre.
Cuando el sol se haya puesto
Y la hierba ondule en tu regazo,
Arrástrame en el frágil ocaso
Y ocúltame entre las tumbas.

También como pintora y dibujante, Elizabeth Eleanor Siddal llevó a cabo un interesante trabajo durante la década de los años 50. Siempre dentro de la estética prerrafaelita, sus obras son más intimistas que las de sus compañeros de grupo. Una muestra de su buen hacer es éste autorretrato al carbón que realiza hacia 1855.

                                                                                                            Elizabeth E. Siddal, Autorretrato


Admirador de su obra, el propio John Ruskin, teórico del medievalismo inglés del periodo, adquirió el grueso de los trabajos de Elizabeth Siddal y le proporcionó el apoyo económico suficiente como para poder seguir desarrollando la labor creativa.
Por desgracia, la muerte en el propio parto de su primera hija exacerbó el estado de debilidad y ansiedad de Elizabeth Siddal. Como consecuencia, el 10 de febrero de 1862, Elizabeth decidió tomar una sobredosis de láudano (sustancia que venía consumiendo de manera habitual durante toda su enfermedad) falleciendo al día siguiente.
Sin duda consciente de la responsabilidad que en la decisión de Elizabeth había tenido su actitud hacia ella, Dante Gabriel Rossetti quiso tomarla por última vez como modelo en su cuadro Beata Beatrix pintado un año después de la muerte de su esposa, y otro de los iconocos del Prerrafaelismo.

                                                                                        Dante Gabriel Rossetti, Beata Beatrix, 1863

 Dante Rossetti y Elizabeth Siddal: un amor de ultratumba.


Dante Rossettipoeta notable, pintor extraordinario y galán de neto corte prerrafaelita, se enamoró de su modelo predilecta: Elizabeth Siddal -Lizzie, para los amigos-, también poetiza, enloquecedoramente bella y carismática, . A ella le dedicó sus mejores lienzos, las visiones más arrebatadoras de un pasado glorioso, romántico, asequibles únicamente mediante el tipo de mujer que era Siddal, diametralmente opuesta a las damas que estimulaban a los pintores de la época.
Dante Rossetti se enamoró, se casó, y pronto descubrió que Elizabeth Siddal, esa joven alta, estilizada, de labios carnosos, sensuales y cabellos rojos como brasas del Tártaro, era una mujer enferma.
La relación continuó. Dante Rossetti estaba profundamente enamorado de Elizabeth Siddal, aunque esto no evitó algunos romances fulminantes con otras modelos. El más extravagante de aquellos amoríos fue el que vivió con una modelo muy poco agraciada: Fanny Conforth, a quien el poeta llamaba cariñosamente "Mi querido elefante" (My dear elephant). Fanny era una mujer robusta, redondeada, opuesta en todo a la delicada Siddal, salvo en el cabello rojo. En este detalleDante Rossetti era intransigente.
Durante muchos años la historia que a continuación nos disponemos a narrar permaneció en el más absoluto misterio. Las biografías de Dante Rossetti apenas mencionan algún matiz circunstancial de la tragedia, callando lo que la prudencia, al menos la de aquella época, obliga a disimular.
Cierta noche, el poeta Algernon Swinburne fue a cenar a la casa de Dante RossettiElizabeth Siddal se mostró particularmente feliz, como si aquel encuentro estuviese cargado de un significado secreto. Después del festín, Rossetti se dispuso a partir a un colegio comunitario (fundado por John Ruskin) en donde daba clases a obreros y empleados de las clases marginales. Swinburne, siempre caballeroso, se ofreció a acompañarlo. Cuando salieron a la calle, y Rossetti estuvo a salvo del oído atento de su esposa, confesó que no iría a clase esa noche, sino que se encontraría con su "elefante".
Nada ha quedado de ese encuentro clandestino, por lo que podemos suponer que se desarrolló con total normalidad.
Cerca del amanecer, Dante Rossetti regresó al hogar, vencido por las exigencias físicas de su encuentro ilegítimo. Era el 11 de febrero de 1862, y el día estaba saturado de promesas venturosas. El poeta entró al dormitorio procurando no hacer ruido. Lizzie estaba enferma, y los médicos le habían recomendado la más estricta calma. Luego, imaginamos, la besó en la frente, y la sintió fría.
Elizabeth Siddal se quitó la vida esa madrugada ingiriendo una dosis letal de cloral, el mismo que los médicos le habían recomendado para su insomnio. Las biografías callan lo que es evidente:Siddal conocía las aventuras extramatrimoniales de su esposo, y en consecuencia decidió suicidarse.
Dante Rossetti quedó devastado. Su caracter supersticioso pronto recordó la reciente luna de miel, en la que pintó a Lizzie en un cuadro llamado How they met themselves (Como se encontraron consigo mismos, arriba a la izquierda), una obra oscura que retrata el encuentro sobrenatural de la pareja con sus dobles, sus doppelgänger, encuentro que, en la leyenda, acarrea una muerte inminente.
Tanto los médicos como los amigos sabían de la medicación de Elizabeth Siddal, y razonaron que la muerte se debió a un exceso involuntario de la droga. Rossetti aceptó esta explicación, pero en su interior se sabía culpable.
Al día siguiente se organizó un funeral íntimo, sólo los amigos cercanos de la pareja asistieron.Dante Rossetti, loco de culpa, aprovechó un momento de descuido para deslizar algo en el ataúd de Lizzie. Tomó las manos gélidas de su amada y las colocó alrededor de un cuaderno manuscrito, una especie de sacrificio, de expiación, para aplacar a los demonios que se agitaban en su corazón. Se veía a sí mismo como el asesino de su esposa, de manera que decidió sacrificarle lo más preciado que tiene un poeta: su obra.
Tras el funeral -digno de las fantasías de Edgar Allan PoeDante Rossetti rompió su relación con "el elefante", y se recluyó en las afueras de Londres. De naturaleza sociable, habitué de pubs y reuniones de toda índole, el poeta se aisló por completo. Pintaba obsesivamente, y no recibía a nadie salvo a sus amigos íntimos. Allí vivió catorce años, solo, atormentado, acosado por espectros de cabellos rojos y miradas fulminantes.
Cuatro años después del funeral, un amigo -que la historia conservó en el anonimato- se acercó aDante Rossetti y le confesó haber visto el extraño sacrificio sobre el ataúd de Lizzie. En una reunión excepcional, Dante Rossetti fue emborrachado por un grupo cerrado de admiradores y presionado para rescatar aquel manuscrito. Golpeado por los vapores narcóticos que gravitaban sobre su mente, el poeta cedió. Los amigos -a quienes agradecemos profundamente- iniciaron los trámites de exhumación, ritual que fue aprobado con todas las garantías de la ley.
Dante Rossetti no asistió a la exhumación del cadáver de Elizabeth Siddal. Se dice que pasó la noche en una taberna bebiendo hasta quedar inconsciente. Dos amigos del poeta, más un oficial de policía y un empleado del cementerio, desenterraron el ataúd de Lizzie. Su cuerpo, como es natural, había perdido todo registro de su belleza, pero el manuscrito, curiosamente, estaba intacto, como si las garras de la muerte y la humedad del sepulcro no se hubiesen atrevido a tocarlo.
Dante Rossetti no volvió a ver el manuscrito ni a leer sus poemas. Sus amigos se encargaron de publicarlo, y muy pronto se convirtió en una obra de culto, quizás la colección de poemas más impresionante de la literatura universal



El paso del amor.
 Elizabeth Siddal (1829-1862)


Oh Dios! Perdona que haya hundido mi vida
En un oscuro Sueño de Amor.
¿Las lágrimas de la angustia alguna vez
Lavarán la pasión de mi sangre?

El Amor custodia mi corazón
En un canto de alegría,
Mi pulso tiembla con su melodía;
Mientras las frías ráfagas del invierno soplan
Sobre mi, como una dulce brisa de junio.

El Amor flota sobre las brumas del amanecer,
Y descansa en los rayos del crepúsculo;
Él calmó el trueno de la tormenta
E iluminó todos mis sentidos.

El Amor me sostiene a través del día,
Y en sueños me acompaña por las noches,
Ningún mal puede acechar mi vida,
Pues mi espíritu es ligero como las flores.

Oh Cielo! Piedad por mi corazón inocente,
El paso del tiempo quebró ese placer diario,
El ídolo fue arrastrado por la corriente,
Destrozando para siempre mi santuario.






El fragmento de una balada



Muchas millas sobre el campo y el mar
hasta que mi amor pudo retornar,
de sus palabras no tengo recuerdos,
sólo el de los árboles y el gemido del viento.

Y arribó listo para tomar sin daño
la cruz que he cargado por años,
pero las palabras llegaron lentas
de aquellos fríos y mudos labios.

¿Cómo sonaban mis palabras lentas y plenas,
en aquel gran corazón que me amó en la pena,
venido a salvarme del odio y el dolor
y a confortarme con su delicado amor?

Sentí al viento golpeando frío, gélido,
y a la bruma roja acariciar la puerta;
sentí que el hechizo que sostenía mi aliento
se quebraba, viviendo siempre muerta.





http://www.artecreha.com/Sab%C3%ADas_que/sabias-que-elizabeth-eleonor-siddal-modelo-musa-y-artista-del-prerrafelismo.html





sábado, 12 de diciembre de 2015

ANTONIO TAPIES...... UN POLIFACETICO DEL ARTE



 Este trabajo recopilatorio está dedicado al artista catalán Antoni Tàpies, fue un pintor, escultor y teórico del arte español. Uno de los principales exponentes a nivel mundial del informalismo, está considerado como uno de los más destacados artistas españoles del siglo XX, cuya influencia será decisiva a nivel internacional.
Antoni Tàpies a los veintidós años renunció a la carrera de derecho para dedicarse de lleno a la pintura, arte que abordó a través del collage (hojas de periódico, papel de estaño, cuerdas) y de pinturas terrosas que presentan grattages (raspaduras) y graffiti. En esta primera etapa de su vida crea, con otros artistas e intelectuales catalanes, el grupo «Dau al Set» (1948). Este movimiento ampara sus primeras exposiciones, que ya ponían de manifiesto su interés por el surrealismo.

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Tàpies nos habla de la vida y del arte, del significado de la materia en sus pinturas y de sus cruces.



Antoni Tàpies i Puig, marqués de Tàpies (Barcelona, 13 de diciembre de 1923 - ídem, 6 de febrero de 2012) fue un pintor, escultor y teórico del arte español. Uno de los principales exponentes a nivel mundial del informalismo, está considerado como uno de los más destacados artistas españoles del siglo XX. La obra del artista catalán goza de un centro de estudio y conservación en la Fundación Antoni Tàpies de Barcelona.


De formación autodidacta, Tàpies ha creado un estilo propio dentro del arte de vanguardia del siglo XX, en el que se combinan la tradición y la innovación dentro de un estilo abstracto pero lleno de simbolismo, dando gran relevancia al sustrato material de la obra. Cabe destacar el marcado sentido espiritual dado por el artista a su obra, donde el soporte material trasciende su estado para significar un profundo análisis de la condición humana.


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Antoni Tàpies con Pablo Picasso, en 1967, en la casa del artista malagueño en Francia.


La obra de Tàpies ha tenido una gran valoración a nivel internacional, estando expuesta en los más prestigiosos museos del mundo. A lo largo de su carrera ha recibido numerosos premios y distinciones, entre los que cabe destacar el Premio de la Fundación Wolf de las Artes (1981), la Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña (1983), el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1990), la Medalla Picasso de la Unesco (1993) y el Premio Velázquez de Artes Plásticas (2003).
Según propia confesión, su vocación artística despertó con un número de Navidad de la revista D'Ací i d'Allà de 1934, que presentaba un extenso panorama del arte moderno internacional. Uno de los hechos que marcaron su vida fue su convalecencia por tisis a los 18 años, circunstancia que le hizo replantearse el sentido de su vida, así como su vocación, ya que durante su recuperación se dedicó intensamente al dibujo. Los estados febriles que padeció le provocaron frecuentes alucinaciones que serían primordiales para el desarrollo de su obra. Durante su estancia en el sanatorio de Puig d'Olena (1942-1943) se refugió en la música y la literatura (Ibsen, Nietzsche, Thomas Mann), y realizó copias de Van Gogh y Picasso.
Compaginó sus estudios de derecho en la Universidad de Barcelona, que había iniciado en 1943, con su pasión por el arte. Finalmente se decantó por la pintura y abandonó los estudios en 1946. De formación autodidacta, tan sólo estudió brevemente en la academia de Nolasc Valls. Su primer estudio de pintura lo instaló en Barcelona en 1946.
En 1948 fue uno de los fundadores del movimiento conocido como Dau al Set, relacionado con el surrealismo y el dadaísmo. El líder de este movimiento fue el poeta catalán Joan Brossa y, junto a Tàpies, figuraron Modest Cuixart, Joan-Josep Tharrats, Joan Ponç, Arnau Puig y Juan Eduardo Cirlot. El grupo perduró hasta 1956.
Las primeras obras de Tàpies se enmarcaron dentro del surrealismo, pero pronto cambió de estilo, convirtiéndose en uno de los principales exponentes del informalismo. Representante de la llamada “pintura matérica”, Tàpies utiliza para sus obras materiales que no están considerados como artísticos, sino más bien de reciclaje o de desecho, como pueden ser cuerdas, papel o polvo de mármol.
En 1948 expuso por primera vez su obra en el I Salón de Octubre de Barcelona, mostrando dos obras de 1947: Pintura y Encolado. Ese año conoció a Joan Miró, uno de sus más admirados artistas. En 1949 participó en la exposición Un aspecto de la joven pintura catalana en el Instituto Francés de Barcelona, donde lo vio Eugeni d'Ors, que lo invitó al VII Salón de los Once, en Madrid (1950).[6] En 1950 hizo su primera exposición individual en las Galeries Laietanes de Barcelona, donde volvió a exponer en 1952. Becado por el Instituto Francés, viajó a París (1950), donde consiguió exponer en el concurso internacional Carnegie de Pittsburgh, y donde conoció a Picasso.
En 1950 fue seleccionado para representar a España en la Bienal de Venecia, donde participó varias veces. En 1953 expuso en Chicago y Madrid; ese año la marchante Martha Jackson le organizó una exposición en Nueva York, dándolo a conocer en Estados Unidos. El mismo año ganó el primer premio del Salón del Jazz de Barcelona, y conoció al crítico Michel Tapié, asesor de la Galería Stadler de París, donde expuso en 1956 y varias veces más desde entonces.
Fue uno de los fundadores del grupo "Taüll" en 1955, junto con Modest Cuixart, Joan-Josep Tharrats, Marc Aleu, Josep Guinovart, Jordi Mercadé y Jaume Muxart. Ese año fue premiado en la III Bienal Hispanoamericana en Barcelona, y expuso en Estocolmo con Tharrats, presentados por Salvador Dalí. En 1958 tuvo sala especial en la Bienal de Venecia, y ganó el primer premio Carnegie y el Premio Unesco.


                               02m_sica_poes_a_arte_abstracto_de_izquierda_a_derecha_antoni_t_pies_joan_brossa_y_josep_m_mestres_quadreny_en_1983

Música, poesía, arte abstracto. De izquierda a derecha, Antoni Tàpies, Joan Brossa y Josep M. Mestres Quadreny en 1983.



En 1960 participó en la exposición New Spanish Painting and Sculpture en el MOMA de Nueva York. Desde entonces hizo exposiciones en Barcelona, Madrid, París, Nueva York, Washington, Berna, Múnich, Bilbao, Buenos Aires, Hanóver, Caracas, Zúrich, Roma, Sankt Gallen, Colonia, Kassel, Londres, Cannes, etc., y recibió premios en Tokio (1960), Nueva York (1964) y Menton (1966). En 1967 entró en la órbita del marchante Aimé Maeght y expuso en el Musée d'Art Moderne de París (1973), Nueva York (1975) y en la Fundación Maeght (1976).


En los años 1970 su obra adquirió un mayor tinte político, de reivindicación catalanista y de oposición al régimen franquista, generalmente con palabras y signos sobre los cuadros, como las cuatro barras de la bandera catalana (El espíritu catalán, 1971). Ese activismo le llevó igualmente a acciones como el encierro del convento de los Capuchinos de Sarrià para constituir un sindicato democrático de estudiantes (1966) o la marcha a Montserrat en protesta por el proceso de Burgos (1970), por la que fue encarcelado durante un corto espacio de tiempo.


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Antoni Tápies, en su estudio de la calle Zaragoza, en Barcelona, en diciembre de 1994.

Desde entonces ha realizado numerosas exposiciones personales o de carácter antológico: Tokio, 1976; Nueva York, 1977; Roma, 1980; Ámsterdam, 1980; Madrid, 1980; Venecia, 1982; Milán, 1985; Viena, 1986; Bruselas, 1986; MNCARS, Madrid, 2000; Pabellón Micovna del Jardín Real de Praga, 1991; MOMA, Nueva York, 1992; Museo Guggenheim, Nueva York, 1995; Kirin Art Space Harajuku, Tokio, 1996; Centro per l'Arte Contemporanea Luigi Pecci, Prato, 1997. La obra de Antoni Tàpies se ha expuesto en los principales museos de arte moderno del mundo. Además de ser nombrado doctor honoris causa por diversas universidades, Tàpies ha sido galardonado con diversos premios, entre ellos, el Premio de la Fundación Wolf de las Artes (1981), la Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña (1983) y el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1990).

 Con la transición al siglo XXI Tàpies no ha dejado de recibir numerosos reconocimientos tanto a nivel nacional como internacional, organizándose exposiciones retrospectivas de su obra en los mejores museos y galerías del mundo. En 2003, en ocasión de su octogésimo aniversario, se celebró una retrospectiva con sus mejores obras en la Fundación Antoni Tàpies, con asistencia del público en una jornada de puertas abiertas. Asimismo, en 2004, se organizó un homenaje a su figura en el MACBA de Barcelona, con una gran exposición formada por 150 obras realizadas desde los años 1940 hasta el presente, contando con pinturas, esculturas, dibujos y diversas creaciones del genial artista.
Entre los últimos actos públicos de Antoni Tàpies cabe destacar su colaboración con José Saramago el año 2005 en defensa del grupo pacifista vasco Elkarri, o la donación el mismo año de su obra 7 de noviembre al Parlamento de Cataluña con motivo del 25 aniversario de la restauración del mismo. En octubre de 2007 cedió una obra original suya a la campaña contra el cierre de las emisiones de TV3 en Valencia, para que se vendiesen sus reproducciones a diez euros y así sufragar la multa impuesta a ACPV por parte de la Generalidad Valenciana. El mismo año dejó un mensaje en la Caja de las Letras del Instituto Cervantes que no se abrirá hasta el 2022. El 9 de abril de 2010 fue nombrado Marqués de Tàpies por el rey Juan Carlos I.



Algunas obras


Pintura


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Autorretrato de Antoni Tàpies. 1945. Tinta sobre papel. 43 x 31 cm. Colección Fundació Antoni Tàpies. Barcelona


                                                   34autoretrat 

Autorretrato. 1946. Tinta sobre papel. 44 x 32 cm. Colección particular. Barcelona


                                                    35autoretrat 

Autorretrato de Antoni Tàpies. 1947. Tinta sobre papel. 48 x 34 cm. Prestamo permanente de colección privada. Landesmuseum Mainz


                                  38blanc_sobre_azul 

Blanc sobre azul. Augaforte e carborundum. 56 x 76 cm. Obra de Antoni Tàpies


                                41forat_oval 

Forat oval. 1995. Pintura y lápiz sobre cartón recortado. 50 x 76 cm. Col. particular. Barcelona. Obra de Antoni Tàpies


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Retrato del pintor Joan Abelló. Acuarela y tinta sobre papel. 43 x 32,8 cm. Obra de Antoni Tàpies


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Ossos i vernís. 1990. Aguafuerte, aguatinta y serigrafía. Papel Molí Sardá de 400 gr. 194,5 x 196 cm. Col. particular. Barcelona. Obra de Antoni Tàpies


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'34' Litografía. 56,5 x 75,5 cm. Obra de Antoni Tàpies


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‘Gran equis’ (1962) Técnica mixta sobre tela (195×130 cms). Fundación Juan March de Madrid. “Una gran cruz de San Andrés monumentalizada se convierte, en esta obra, en el bastidor de la materia”. Obra de Antoni Tàpies


                                             60cruz_de_papel_de_peri_dico 

‘Cruz de papel de periódico’ (1946-1947) ‘Collage’ y acuarela sobre papel (40×31 cm). Fundación Tàpies, de Barcelona. “La primera deslumbrante muestra de lo que será su estilo personal, con un signo de la cruz recortado de un periódico palpitando en una sutil atmósfera”. . Obra de Antoni Tàpies


                                                      61peque_o_azul 

Pequeño azul. 1962. Técnica mixta, 90 x 217 cm. Galería Maeght. Nueva York. Obra de Antoni Tàpies


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Monócromo gris-ocre. 1966. Técnica mixta, 195 x 260 cm. Galería Maeght. París. Obra de Antoni Tàpies


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Díptico de barniz, 1984. Pintura y barniz sobre tela (220×542 centímetros). Fundación Tàpies, de Barcelona. "El brillo dorado de un barniz sobre blanco no oculta los broncos fetiches a ras de tierra ni la furia de lo sagrado, como en los cuadros de Tiziano". Obra de Antoni Tàpies


                                   64barniz_con_formas_negras 

Barniz con formas negras. 1982. Técnica y barniz sobre tela, 205 x 275 cm. Museo: VEBA AG. Düsseldorf. Obra de Antoni Tàpies


                                   65jerogl_ficos 

Jeroglíficos. 1986. Pintura barniz y collage sobre tela, 130 x 194 cm. Colección particular. Barcelona. Obra de Antoni Tàpies


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Pirámide. 1959. Técnica mixta sobre tela, 190 x 240 cm. Kunsthaus. Zúrich. Obra de Antoni Tàpies


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Composición. 1946. Óleo rascado sobre tela. 38 x 46 cm. Colección MACBA. Antiga Colección Salvador Riera. Procedente del Fons d'Art de la Generalitat de Catalunya. Obra de Antoni Tàpies


                                                                           45_1_2_3 

'123'. 1998. Pintura, vernís i llapis sobre paper. 78 x 106 cm. Obra de Antoni Tàpies


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'70' Augaforte gofrado. 56 x 76 cm. Obra de Antoni Tàpies


                               50alaya 

Alaya. 1998. Procediment mixt sobre fusta, 150 x 150 cm. Obra de Antoni Tàpies


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Blanco con manchas rojas. 1954. Técnica mixta sobre tela, 115 x 88 cm. Colección Fundació Antoni Tàpies. Barcelona. Obra de Antoni Tàpies


                                67cara_i_mans_sobre_negre 

Cara i mans sobre negre. 1990. Obra de Antoni Tàpies


                                52collage_del_papel_moneda 

Collage del papel moneda. 1951. Obra de Antoni Tàpies
 Collage del papel moneda. 1951. Obra de Antoni Tàpies


                                 54doble_120 

Doble 120. 1967. Técnica mixta sobre tela. 195 x 260 cm. Colección particular. Cortesia de la Galería Javier López. Obra de Antoni Tàpies

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  El lector final. La carta. 1950. Obra de Antoni Tàpies

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La barbería de los malditos y los elegidos. Obra de Antoni Tàpies. 1950. Óleo sobre tela. 97 x 130 cm. Colección Fundació Antoni Tàpies. Barcelona


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Peus. 1995. Pintura sobre papel recortado. 47,5 x 77 cm. Col. particular. Barcelona. Obra de Antoni Tàpies


                            15palau_de_la_generalitat_barcelona_2 

Las cuatro crónicas, en la Sala Tarradellas del Palacio de la Generalidad de Cataluña. Quizá la obra más popular de Antoni Tàpies


                                13calcet_n_controvertido 

Calcetín controvertido. El emblemático y polémico 'calcetín' del artista Antoni Tàpies, en la terraza exterior de la sede de la Fundación Antoni Tàpies de Barcelona.

Escultura


                                25homenaje_a_picasso_en_el_parque_de_la_ciudadela_de_barcelona 

Homenaje a Picasso, en el Parque de la Ciudadela de Barcelona. Passeig Picasso, s/n. 1983. Cubo de vidrio laminado con objetos, 2,15 x 2,15 x 2,15 cm. Obra de Antoni Tàpies


                                8una_de_las_m_s_de_100_obras_de_la_retrospectiva_que_el_museo_de_arte_contempor_neo_de_barcelona_dedic_a_t_pies_en_2004 

Pie, fue una de las más de 100 obras de la retrospectiva que el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona dedicó a Tàpies en 2004.


                                      la_butaca 

La butaca, 1987. Pintura sobre bronze, 88 x 90 x 87 cm. Fundació Antoni Tàpies, Barcelona. 

El recorrido por la obra de Antonio Tapies,podria ser mucho mas extensa,pero para conocer su estilo y arte considero suficiente esta pequeña referencia...Muchas gracias
http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=10734