martes, 21 de noviembre de 2017

EL LEON DE LUCERNA


El León de Lucerna, conocido también sencillamente como ‘El monumento del leon’, es una estatua conmemorativa ubicada en Lucerna, Suiza. Consiste en un relieve de piedra excavado en una pared de roca que pertenecía antiguamente a una cantera de piedra arenisca, y representa a un león moribundo. Esculpido a principios del siglo XIX, la intención de los creadores del León de Lucerna fue conmemorar a los Guardias Suizos que perdieron sus vidas en 1792 durante la Revolución Francesa.
Fue diseñado por Bertel Thorvaldsen, un famoso escultor danés que vivió entre los siglos XVIII y XIX. El hombre responsable de la talla del monumento, no obstante, fue un cantero de Constanza (sur de Alemania) de nombre Lucas Ahorn.
El monumento fue diseñado por Thorvaldsen en 1819 cuando se encontraba en Roma, y al año siguiente Ahorn comenzó a esculpirlo. La estatua, que mide 10 metros de largo y 6 metros de altura, quedó acabada en 1821.
Retrato de Bertel Thorvaldsen obra de Carl Joseph Begas, ca. 1820. (Public Domain)
Retrato de Bertel Thorvaldsen obra de Carl Joseph Begas, (1820)

El León de Lucerna nunca hubiera llegado a existir si no hubiera sido por un hombre llamado Carl Pfyffer von Altishofen. Fue Von Altishofen quien encargó el monumento. Por otro lado, solo conociendo la historia de Von Altishofen podremos comprender el simbolismo y el significado del León de Lucerna. Está documentado que Von Altishofen fue oficial de la Guardia Suiza. Cuando estalló la Insurrección de Agosto en París el 10 de agosto de 1792, Von Altishofen se encontraba de permiso en su casa de Lucerna.

Escena de la Revolución Francesa: ‘Toma del Palacio de las Tullerías’, óleo de Jacques Bertaux pintado en 1793. (Public Domain)
Escena de la Revolución Francesa: ‘Toma del Palacio de las Tullerías’, óleo de Jacques Bertaux pintado en 1793. 
Los camaradas de Von Altishofen, miembros de la Guardia Suiza destacados en París, no tuvieron tanta suerte como él, y muchos de ellos perdieron la vida en la rebelión que estalló en la capital francesa. Como mercenarios, los Guardias Suizos eran famosos por cumplir sus compromisos y con lealtad hacia quienes les contrataban.
Entre estos últimos se encontraba la familia real francesa, que llevaba empleando a estos mercenarios desde el siglo XVII. Cuando estalló la Insurrección de Agosto en 1792, había un regimiento de unos 1.000 Guardias Suizos al servicio del rey de Francia Luis XVI y su familia.
Aproximadamente 300 de los Guardias Suizos de Luis XVI habían sido enviados fuera de París a realizar una misión varios días antes, mientras que el resto de ellos permanecían junto al rey y su familia en el Palacio de las Tullerías. Durante la rebelión, los Guardias Suizos defendieron a la familia real de las multitudes. La mayor parte de ellos murieron en combate, o poco después en prisión a causa de las heridas. El número de bajas sufridas por los Guardias Suizos en esta acción, así como el número de supervivientes, fue grabado en la piedra del monumento de Lucerna. Murieron 760, mientras que sobrevivieron 350.
Luis XVI inspeccionando a sus tropas. (Public Domain)
Luis XVI inspeccionando a sus tropas. 

Aparte de estos números, en el monumento también se puede encontrar una lista de algunos de los nombres de los oficiales caídos en la insurrección. En otra inscripción grabada en la escultura se lee ‘HELVETIORUM FIDEI AC VIRTUTI’, que se puede traducir como ‘Al valor y la lealtad de los suizos’.
La inscripción del monumento que recuerda el valor y la lealtad de los Guardias Suizos que defendieron a Luis XVI y a su familia en agosto de 1792. (CC BY-NC-ND 2.0)
La inscripción del monumento que recuerda el valor y la lealtad de los Guardias Suizos que defendieron a Luis XVI y a su familia en agosto de 1792. (CC BY-NC-ND 2.0 )
Lo más destacado del monumento, sin embargo, es indudablemente la propia estatua del león. A primera vista, su característica más notable es que está muriendo. Tras una inspección más detenida, se observará la punta de una lanza sobresaliendo de su costado: causa de su sufrimiento y finalmente de su muerte. Por otro lado, el león se encuentra recostado sobre un escudo en el que aparece la flor de lis. Es un símbolo de la monarquía francesa, así como un recordatorio de la causa por la que los Guardias Suizos lucharon y dieron la vida en aquellos días de agosto de 1792.
http://www.ancient-origins.es/noticias-general-lugares-antiguos-europa/la-tr%C3%A1gica-historia-impresionante-monumento-le%C3%B3n-piedra-lucerna-003424
http://3.bp.blogspot.com/_FDB0D356S04/THLRI8R736I/AAAAAAAACXA/W7BnqBk6_w0/s1600/P7068891.jpg
http://www.ancient-origins.es/noticias-general-lugares-antiguos-europa/la-tr%C3%A1gica-historia-impresionante-monumento-le%C3%B3n-piedra-lucerna-003424
https://milrecuerdosdelpasado.wordpress.com/2013/12/05/la-agonia-eterna-del-leon-de-lucerna/

sábado, 18 de noviembre de 2017

LISIPO Y EL CANON DE LAS OCHO CABEZAS

En el siglo IV a.C., unos cien años después de que Policleto hubiera fijado su canon, Lisipo, inspirado por su predecesor, establecería un nuevo sistema de proporciones que, muchos siglos después, el Renacimiento contemplaría como paradigma de la belleza griega.
Lisipo alarga las proporciones de Policleto hasta las ocho cabezas de tal forma que sus figuras ganan en ligereza, en gracia y en altura. Su búsqueda de la elegancia y el naturalismo le llevan a rechazar las antiguas concepciones sobre el cuerpo humano perfecto, para inclinarse por la representación subjetiva de la Naturaleza, a la que añade un toque de elegancia y cotidianeidad.
Si Policleto supo estudiar como nadie los límites del contraposto, Lisipo creará la combinación perfecta de movimiento y estatismo, en esculturas con temáticas poco frecuentes en el conjunto de la producción escultórica griega, llegando incluso a plasmar varios movimientos diferentes en una única figura, como en el caso del Apoxiomenos.

Junto con Scopas y Praxíteles se le considera escultor del segundo clasicismo, ya enlazando con el arte Helenístico.
Nacido en Sición, Peloponeso, hacia 370 a. C. falleció hacia el 370 a. C. Será escultor principal de la corte de Alejandro Magno. Explotará a la vez realismo e idealismo, representando principalmente cuerpos masculinos. Broncista que trabaja también en mármol.
Crea un nuevo canon que obedece a los gustos del siglo IV a. Cto., se trata del Canon de las 8 cabezas, en el que la cabeza es la octava parte del cuerpo. Según Plinio, Lisipo representa a los hombres tal y como el ojo los ve, mientras que el siglo V a. Cto. los representó tal y como eran. Ahora se supera el canon racional de Policleto y se va hacia la fantasía óptica y expresiva.

Canon de las ocho cabezas







"Heracles Epitrapezios", realizado para Alejandro Magno. El original era de bronce. Figura barbada, aparece sentado y con la musculatura muy marcada.






"Heracles Farnesio" (Museo Arqueológico de Nápoles). La copia romana mide 3,17 mt. Apoya el cuerpo en un tronco del que cuelga también la cabeza de un león. Está completamente desnudo, y Lisipo hace uno de los más trabajados tratamientos anatómicos de su escultura. La figura aparece barbada, igual que en el caso anterior. Museo Arqueológico de Nápoles.


"Apoxiomeno" (320 a. Cto., Museos Vaticanos), es para Lisipo el equivalente de lo que es el Doríforo para Policleto, tiene un estudio anatómico más suave que el de otras obras de Lisipo. Se preocupa por el tratamiento del equilibrio y el espacio en el cuerpo. Representa a un atleta que se limpia el polvo del cuerpo con una estrígila tras la carrera. Hay movimiento. Es una escultura que rompe con la frontalidad y puede ser observada desde todos los puntos de vista con tratamiento particular. Una copia de esta obra de Lisipo estaba en las termas romanas de Agripa, y allí causó admiración general, especialmente en Tiberio. Mide 2.05 mts. de altura. El original era de bronce.





"Alejandro Magno", remarca en sus retratos el aspecto leonino del Emperador Macedónico. Tiene varios retratos del emperador. Lisipo es el primer retratista clásico.


"Ares Ludovisi" 
Copia romana sobre un original atribuido a Lisipo (Sición, h. 370 a.C.- 318 a.C.)
Mármol pentélico, restauraciones en mármol de Carrara por Bernini (1622)
Museo Nacional Romano-Palazzo Altemps, Roma
La figura de Ares, el hijo de Zeus y Hera que como dios cruel encarna el espíritu de la guerra y goza de las matanzas y la sangre sin importarle la justicia, no gozaba de buena reputación en la cultura griega. Sin embargo, en la cultura romana era un dios muy venerado por representar la juventud y por ser considerado tradicionalmente como el padre de Rómulo y Remo, fundadores de Roma. Frecuentemente aparece representado armado y algunas veces acompañado de los que se consideran sus hijos: Deimo (el temor), Fobo (el miedo) y Eris (la discordia). También eran hijas de Ares las Amazonas, pueblo de mujeres dedicado a la caza y la guerra que habitaba los bosques de la Tracia. En otras ocasiones la representación de Ares se acompaña de un perro, un buitre o un gallo, o relacionado con Afrodita, vinculando a ambas figuras con los impulsos elementales de la condición humana como son la violencia y el amor, de cuya unión nace Harmonía.
Este es el personaje mitológico elegido por Lisipo para esta escultura, al que representa con cuerpo de atleta y dotado de una verosimilitud mórbida, con cierta carga de sentimentalismo y un movimiento contenido que muestran al artista como un gran renovador de la técnica escultórica.


El Ares Ludovisi recibe este nombre por haber formado parte de la ingente colección arqueológica reunida por el cardenal boloñés Ludovico Ludovisi, sobrino de Alessandro Ludovisi, pontífice bajo el nombre de Gregorio XV, en la villa y los jardines situados cerca de la Porta Salaria de Roma. Después de formar parte de la colección Boncompagni pasaría a engrosar los fondos del Museo Nacional Romano de las Termas de Roma, ocupando actualmente una de las salas del museo instalado en el Palacio Altemps.


Otra copia de esta escultura se conserva en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles, siendo posible contemplar una copia fidedigna en yeso en la colección de Reproducciones Artísticas del Museo Nacional de Escultura de Valladolid.
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martes, 14 de noviembre de 2017

SAN SALVADOR DE CHORA


Si exceptuamos la ineludible Santa Sofía, puede dar la impresión de que los restos de Constantinopla en la actual Estambul no son muy numerosos, o evidentes en comparación con el posterior legado otomano. Pero una visión más pausada,nos descubrirá abundantes testimonios de la esplendorosa Constantinopla, como San Salvador de Chora.
El hecho de que estos monumentos no sean tan visibles obedece a varias razones. El material constructivo (ladrillo y arcilla) empleado en esta segunda Roma es menos resistente al paso de los siglos que el usado en la primera.
Las finanzas bizantinas nunca fueron tan solventes como las de Roma, que gozo de grandes beneficios que posibilitaron la ejecución de obras faraónicas. En Constantinopla la basílica de Santa Sofía es una excepción. El resto de templos tiene dimensiones muy inferiores, que desde el siglo XIII aun tienden a reducirse más.
Además la llegada de otro poder que no es heredero de la tradición cultural bizantina, y cuenta ya con una cultura propia muy desarrollada, hace una labor 
Por otra parte, ya en tiempos más cercanos la promoción del pasado bizantino no ha sido excesiva por no existir una identificación cultural que enlace la con el Imperio Otomano. En cierto modo 1453 es un año 0 para Estambul.
Precisamente en el sector donde se encuentra San Salvador de Chora se halla el punto en que los Otomanos hicieron brecha y penetraron en Constantinopla.

Teodoro Metoquites, el benefactor de la obra. Luce un gran gorro oriental.

Ocupa el solar de un antiguo monasterio del siglo IV cuya iglesia estaba consagrada a Cristo recibiendo el nombre de Sagrado Salvador en Chora. Chora significa “campo” pues en aquel momento las murallas de Constantinopla no llegaban hasta aquí, sino que era territorio extramuros hasta la construcción de las murallas de Teodosio.
La iglesia paso por varias vicisitudes y a finales del siglo XI adopto su forma de cruz griega inscrita, que serviría de modelo a la gran mayoría de iglesias bizantinas posteriores. Durante el siglo XII sufrió derrumbes parciales y en el siglo XIII el saqueo cruzado.
Sera ya en el siglo XIV cuando un notable de la corte bizantina, Teodoro Metoquites añadirá el exonartex y el paraclesión, (pasillo lateral de función sepulcral) junto con toda la iconografía pictórica que hoy podemos observar en una buena parte. Estas pinturas constituyen un tesoro de incalculable valor de todo el arte occidental.

                                           Medallon central de una de las cupulas del esonártex

No se sabe quiénes son los autores de esta obra realizada entre 1315 y 1321, enmarcada en el llamado Renacimiento Paleólogo pero su belleza y perfección la sitúa entre las más destacadas de este periodo.
El fin de las peripecias de la iglesia es su transformación en mezquita en 1511, momento en que se cubren con yeso los frescos y mosaicos y asi permanecen hasta 1948 en que Thomas Whittemore y Paul A. Underwood, del Instituto Bizantino de America y del Centro Dumbarton Oaks para Estudios Bizantinos, financiaron una restauración. A resultas de la misma, la mezquita se convirtió en museo en 1958 (Kariye Müzesi).


El nártex presenta una decoración algo mas deteriorada en relación con el esonártex. En la puerta principal un Cristo Pantocrator soteniendo en su mano izquierda los Evangelios y con la derecha se dispone a impartir la bendición.

Nartex. Oración de Zacarías

En el nártex podemos apreciar varios mosaicos con pasajes del nuevo testamento. Nártex y Esonártex estan decorados con mosaicos mientras que el Paraclesion esta cubierto por frescos.
Las principales escenas retradas pertenecen al Nuevo Testamento como por ejemplo el episodio de las bodas de Canáan, donde se aprecian claramente las tinajas que Jesus convertiría en vino.


El Esonártex,este ha llegado a nosotros en mejor estado. Consta de dos cupulas con sendos medallones de un Cristo Pantocrator con su genealogia, y una María Theotokos (“la que dio a luz a Dios”), con el Niño Jesus en sus brazo. Por tanto dos motivos muy repetidos en Bizancio que suelen responder a un mismo patron de posición frontal. El resto del esonártex se compone de seis paneles devocionales, escenas de la vida de María, infancia de Jesus y vida adulta.

                                                     La Virgen, Santa Ana y San Joaquin

                                                            La Presentación de la Virgen


Nacimiento de Jesus. Un rayo cae sobre el pesebre vacio, el angel anunciando la noticia a los pastores, la                      Virgen mirando como lavan al niño, y José meditando sobre su condición.


Cupula del Paraclesion con Maria Theotokos ylos patriarcas de la Iglesia


Entrada al Esonártex - al fondo la Naos



El programa iconográfico del Paraclesion se denomina Anástasis (resurrección) y se centra en la salvación de la humanidad, junto con la resurreción de Cristo y otros temas afines como la resurreción de Lazaro, y el Juicio Final. En el abside se encuentra su principal representación, Jesus con tunica blanca y en mandorla libera a Adán y Eva del infierno y los lleva a la vida eterna.

Anástasis en el ábside del Paraclesion

                                                                    Resurreción de Lazaro

Esta iconografia parece provenir de los doce capítulos del descenso de Cristo a los infiernos, compilados en los llamados hechos de Pilatos, que dieron lugar al evangelio apócrifo de Nicodemo.
Pictoricamente es un ejemplo puro del Renacimiento Paleólogo que incorpora unas figuras más agiles dinamicas y estilizadas.


         Padres de la iglesia Bizantina. San Basilio, San Gregorio Teólogo, y San Cirilo de Alejandría

                                                                 Detalle de la cúpula


                                                                       Mosiacos interior 

Abrazo en la Puerta Dorada

Multiplicación de los panes


                                                           Tentaciones de Cristo en el desierto
                                                                               Bodas de Canaán





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lunes, 13 de noviembre de 2017

POLICLETO,SU ESCULTURA Y SU CANON


Policleto o Policletos es uno de los grandes escultores del siglo V a.C. Es básicamente broncista, pero sus obras han llegado a nosotros gracias a las copias romanas en mármol.
Se caracteriza por ser teórico y práctico de la escultura, preocupado por el estudio anatómico, sobre todo de atletas, dioses y héroes en los que resalta las formas del cuerpo.
Escribió una obra de teoría escultórica llamada "El Canon", en la que explica su Canon de las 7 cabezas, que para él es la proporción perfecta del cuerpo humano: la cabeza es la séptima parte de la longitud total del cuerpo.
Policleto es, con pocos años menos, contemporáneo de Mirón, y no hay una fecha cierta de cuando comienza su carrera.
Se sabe que ha esculpido una estatua de marfil y oro de la diosa para el templo de Hera, en Argos, que ha sido reconstruida después del incendio del 423. Es probable que esta obra, sea una de sus últimas producciones. 
La primera estatua de Policleto, de la cual se posee réplica, es decir, la más antigua, no puede ser anterior al 460.
Estas dos fecha, 460 y 420 marcan los límites de la actividad de Policleto. Este período de cuarenta años, corresponde totalmente al período clásico por excelencia, "El Siglo de Pericles".
Policleto nació en Sicione, e hizo su educación en los talleres de Argos. Se vuelve ciudadano de esta gran ciudad dórica; centro de arte más importante del Peleponeso, y sin duda, de toda Grecia, por sus estatuas y especialmente por la técnica en bronce.
En los años que siguen al 432, el gran escultor vive en Atenas. Ejecuta el retrato de uno de los principales colaboradores de Pericles, el Ingeniero Artemon; casi al mismo tiempo, Cresilas, artista originario de Creta, esculpe la figura del mismo Pericles. Así, cuando se terminan bajo la dirección de Fidias los trabajos del Partenón, todas las glorias artísticas de Grecia, se encontraban reunidas en la capital intelectual del mundo griego.


El Canon de Policleto
Toda la obra de Policleto indica una continuidad de la línea, quizás única en la historia del arte, y nada nos hace comprender mejor el poder de la voluntad dórica y el rol que ella ha jugado en la constitución del helenismo. El arte de Policleto es esencialmente impersonal: su originalidad es precisamente, el haber transformado la individualidad para dar al ideal griego clásico, la imagen más entendible. 
Policleto ha tomado un solo modelo que no ha cesado de reproducir y de perfeccionar: el ha puesto todo su esfuerzo al tipo viril desnudo.
Se pueden identificar siete u ocho estatuas de Policleto. A excepción de "La Amazona herida" todas tienen un mismo tipo fundamental. Un "Heracles" y un "Hermes" siguen naturalmente la galería atlética, al costado del "Discoforo", del "Kiniskos", del "Doriforo" y del "Diadumeno", todos ellos no difieren más que por el atributo que designa al héroe o al dios. 


La Amazona Herida. Obra de Policleto. Escultor griego clasico. Escultor griego del periodo clasico. Grecia
La Amazona Herida 
Escultura que ganó el concurso de amazonas de Éfeso. Como el resto de sus obras sigue el canon de las 7 cabezas, apoya el peso sobre una pierna y al igual que el resto de esculturas femeninas griegas de época clásica, muestra poco interés por el estudio anatómico femenino. Rostro inexpresivo para estar representando una mujer herida. Mide 2,02 mt de altura. Museo Vaticano.
La opinión de los críticos antiguos era que Policleto había embellecido la forma humana, pero no había logrado darle la majestuosidad divina.



La primera estatua de Policleto: "El Discóforo", una figura de atleta, no era un ensayo de aprendiz, pues el nombre importante de las réplicas muestran que estaba considerada en la antigüedad como una obra completa.
Esta imagen es una  réplica romana del Discóforo, "el que lleva el disco" . La estatua ya sigue los principios de su canon. Asocia los dos principios opuestos del reposo y el movimiento, para conformar un cuerpo lleno de vida, lo que en palabras de Sócrates, no implica sino reproducir aquello que, según las diferentes posiciones, se encoje o extiende, aplasta o estira, tensa o relaja en los cuerpos (Jenofonte,Memorabilia 3, 10). La cabeza, no conservada, estaba algo inclinada y miraba hacia un objeto (¿una espada?) sujeta con la mano derecha. Su verismo y el trabajo del trépano fechan la escultura a finales de la época de Adriano. El tema central de la obra de Policleto era la representación del hombre perfecto. Con ello no sólo se refería a la perfección física. La armonía y simetría de las partes del conjunto, formulado por medio de relaciones numéricas, era identificada por Policleto con lo bello-bueno (en griego: to eu) y probablemente fuera concebido como una imagen del orden divino (en griego:kosmos) en el sentido pitagórico de la especulación numérica (Texto extractado de Schröder, S. F. en: Dioses, héroes y atletas. La imagen del cuerpo en la Grecia antigua, Museo Arqueológico Regional, 2015, p. 366).
El principio esencial de esta obra es la correspondencia cruzada que se establece entre la posición del busto y de las piernas: el hombro se eleva de costado donde la pierna se inclina, así cando la línea de los hombros se inclina hacia la derecha, la línea inguinal (de la ingle: unión de la pierna con el cuerpo) se inclina hacia la izquierda. Este armonioso balanceo contradictorio, del cual Policleto no es verdaderamente el inventor, está destinado a establecer el equilibrio que se había perdido en la frontalidad arcaica. 
Policleto, hizo dos estatuas desde un mismo modelo: una según el gusto del público, la otra desde las reglas del arte. El modifica la primera siguiendo los consejos de los visitantes, obedeciendo a cada uno y ejecutando los cambios que se le indican. Después expone las dos estatuas: la primera inspira risa, la segunda admiración. "Esa que usted desaprueba, dice Policleto, es la que usted hizo, esta que admira, es la que yo hice".
Verdadera o falsa, esta anécdota esclarece la relación entre el artista y el público. En la Grecia antigua, el artista demuestra su superioridad sobre la visión del profano y se guía por "las reglas del arte". 


"Diadumeno" 
No posee sobre su cabeza una corona de olivos: el lleva sobre su frente la banda de los atletas victoriosos. Por otra parte, no es un adolescente, sino un hombre joven, como el "Doríforo", en pleno desarrollo de su fuerza física.
Policleto, en Atenas, fue influenciado por la atmósfera del arte ático, el arte de Fidias, y se inclinó por un ideal atlético más suave y de formas más fluidas. El "Diadumeno es una nueva edición del canon, su perfeccionamiento, con formas más armoniosas. La inclinación de su cabeza es más graciosa, su mirada más viva, más humana, el gesto ascendente de los dos brazos parece quitarle al cuerpo el exceso de pesantez que pudiera tener.
Se puede decir que no existe otra estatua que dé la impresión de elegancia sin blandura, de vigor varonil sin dureza.

Hermes
Museos Vaticanos. Estatua de un joven con cabeza del Hermes de Policleto. Se trata de una copia de un original griego del siglo V a. C.

"La Diosa Hera". Cabeza de la diosa, museo de Atenas.


"Afrodita Armada" (Museo Nacional de Atenas) atribuida a la escuela de Policleto


El Canon. La Regla. El Modelo

En todas las grandes civilizaciones artísticas, del extremo oriente al occidente, los artistas verdaderamente creativos han tenido la obsesión de la perfección matemática. Después de los egipcios, los griegos de la época arcaica habían ya intentado construir un modelo ideal, estableciendo las medidas correspondientes entre las diferentes partes de la estatua: es decir, el tamaño de la cabeza era igual al largo del pie, y se cuenta siete veces y media la altura total. 
Sin embargo, el sistema elaborado por Policleto y consagrado por su Canon era ciertamente más sabio y más complejo. Para un griego del siglo V el nombre, como la ley, eran sagrados: el Canon, nace pues, de una búsqueda ardiente, inspirada por el fervor de una verdadera fe. Es por eso que esta figura está viva, esta arquitectura humana está animada de un ritmo que nos sorprende y a pesar de la mediocridad de las réplicas, no impide sentir la veracidad. La nueva simetría creada por Policleto ha definitivamente reemplazado a la antigua simetría frontalLos principios rígidos que Policleto se había impuesto no dejaban que un juego limitara las variaciones de los gestos y actitudes. Así vemos que la obra principal de la segunda mitad de su carrera, entre los años 435 y 420, en Atenas, ha sido inspirada en el mismo motivo que el "Kiniskos" .
La obra "El Kiniskos" de Policleto permite completar o al menos darnos la idea del estilo de Policleto en el período en que él ha creado su "Doríforo". "Kiniskos" adolescente vencedor en un concurso de boxeo hacia el año 460 A.C. Es probable que haya sido consagrada al Olimpo, pues todavía se encuentra allí el pedestal, hacia el año 450.
El ritmo es a la inversa de las otras estatuas masculinas de Policleto: es la pierna derecha la que está flexionada, no la izquierda, sin embargo, la cabeza se inclina hacia el hombro derecho, esto contradice el principio de compensación que se había anunciado.

La Amazona herida de Policleto. Obras de Policleto. Escultor Griego. La sabiduria de Grecia. Grecia. Escultores griegos de la historia. Escultores griegos antiguos. El kiniskos de Policleto
La Amazona Herida
Esta excepción a la regla de la cual la "Amazona Herida" nos ofrece otro ejemplo, sugiere varias anotaciones importantes, pues todo está calculado. Se observa así, que el brazo derecho está levantado, la mano doblada hacia la frente para colocar allí la corona de los vencedores y esta elevación del brazo se opone al movimiento general hacia la derecha: lo mismo vemos en "La Amazona".
Se puede pensar que si Policleto ha inclinado la cabeza de estas dos estatuas en el mismo sentido que el cuerpo, es con la intención de acusar por un movimiento sensible la expresión moral. Para la "Amazona herida" este movimiento es el signo del dolor. En el "Kiniskos" expresa el sentimiento a la vez religioso y social con que los griegos designaban una palabra que no tiene traducción el aidos, pudor, la modestia de un joven bien educado que rinde homenaje de su éxito a los dioses de la ciudad.
La búsqueda de una forma purificada, se pone de manifiesto por la manera en que Policleto traduce la juventud de su modelo, si se compara el "Kiniskos" con la adolescencia tomada en el ala derecha del frontón este del Olimpo (escultura arcaica), se verá las diferencias que separan estas dos imágenes de un mismo objeto.
De una parte, líneas ligeras y dulcemente onduladas, fluidas, de la otra un dibujo tan sólido como el "Doríforo": la edad del vencedor está sugerida solamente por el óvalo más alargado y los trazos muy finos del rostro.
El "Kiniskos" no reproduce las apariencias de la realidad, nos inspira la idea de juventud.

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